1997: Rescate en Nueva York



Año 1997. El avión del presidente de los Estados Unidos es secuestrado por un grupo radical, pero consigue sobrevivir y se encuentra solo en las calles de Nueva York, donde Manhattan se ha convertido en una enorme prisión de alta seguridad. Ante la imposibilidad de lanzar una acción convencional, por miedo a que maten al presidente, se decide enviar a un agente secreto para rescatarlo. El elegido es "Serpiente" Plissken (Kurt Russell), un conocido convicto al que todos daban por muerto.

La película recaudó 25 millones de dólares en la taquilla estadounidense en el verano de 1981 y aproximadamente la misma cantidad en el extranjero. Un éxito para el presupuesto ajustado de 6 millones con el que contaba

Curiosidades:

¿Tú eres Plissken "El serpiente"? ¡Creía que estabas muerto!. Esta frase es la más repetida en la película hasta que terminó siendo un elemento cómico en el film. El gag recurrente de que todo el mundo piense que Snake Plissken estaba muerto fue usado en otra película, el western El gran Jack (1971), protagonizado por John Wayne.



James Cameron trabajó en la película como artista de efectos especiales y director de fotografía y le dio la oportunidad de lucir su talento creando algunas de las animaciones que podemos ver en pantalla, haciendo un matte painting para que el skyline de Nueva York luciera en la película (que realmente se rodó en San Luis) e incluso dibujándole el storyboard al director.







Lee van Cleef no podía ni moverse. No se nota en pantalla, pero nuestro secundario favorito de El hombre que mató a Liberty Valance había sufrido una lesión en la rodilla antes de incorporarse al rodaje y se moría de dolor en el set hasta el punto de que su mujer estaba allí para ayudarle con el calvario que estaba sufriendo. Muy posiblemente por eso, su personaje está sentado en muchas de sus apariciones.



Para el rodaje, Carpenter y su equipo convencieron a los responsables de la ciudad de cortar la electricidad de varias manzanas por la noche . La película se adelantó varios años al 11-S, en la película unos terroristas secuestran un avión que posteriormente estrellan contra un edificio de Manhattan. Además, el World Trade Center es parte importante de la trama de la película.



El estudio no estaba seguro de Russell y lo asociaba demasiado, lógicamente, con las comedias de Disney. Pero Kurt Russell estaba muy determinado a cambiar su imagen de estrella infantil y ayudó a diseñar al personaje desde su atuendo.

Fue él quien sugirió el parche en el ojo, la barba de dos días y el pelo largo, también le compró una camisa de cuero brillante a un chico con el que pasó en París unos meses antes de que comenzara el rodaje y supo de inmediato que era el aspecto que debería tener la ropa de Plissken. También se preparó para haciendo ejercicio en Vince's Gym durante 4 meses e hizo casi todas sus escenas de acción el mismo.



El posible plagio de la serie de videojuegos ‘Metal Gear Solid’; tiene a un protagonista de Operaciones Especiales taciturno llamado Solid Snake, que ha superado hace mucho a Plissken como el mercenario con parche de la cultura pop actual. La inspiración no deja dudas, lleno de similitudes, Incluso adopta el nombre "Iroquois Pliskin" como un alias en alguna de sus misiones. kojima, sin embargo, no reconoce a Plissken como influencia, aunque Carpenter no lo demandó por "ser un buen tipo".



El éxito de ‘1997’ creó un culto a lo largo de la década que llevó a Carpenter y Russell a hacer la casi paródica ‘2013: Rescate en L.A.’ (Escape from L.A., 1996), un verdadero tebeo que si bien es muy similar a la original, reemplazó la sátira gubernamental con disparos a la decadencia del centro de Los Ángeles apuntado al Tele-evangelismo o la cultura de la imagen de California con una aproximación muy divertida al cine de acción que no logró llegar al público de los 90. Su fracaso descarriló una tercera película planificada para cerrar la trilogía.



La ‘Escape From Mars’, que nunca veremos y se habría estrenado en 2001, fue reestructurada en ‘Fantasmas de Marte’ (Ghosts of Mars, 2001), quizá el western más verdadero de Carpenter, con Natasha Henstridge en el papel principal y el papel de Snake Plissken convirtiéndose en el personaje de "James 'Desolación' Williams” que interpretó Ice Cube, ataviado con una camisa negra sin mangas idéntica a la del héroe tuerto de Russell.



Durante la secuencia de la pelea entre Plissken y el gigante en un ring, Kurt Russell tuvo problemas para esquivar los golpes que le lanzaba su contrincante por causa del parche en su ojo, por lo que recibió más de un golpe inesperado.





La mujer a la que Plissken encuentra escondida en una tienda es la actriz Season Hubley, por aquel entonces mujer de Kurt Russell. Adrianne Barbeau, quien interpreta a Maggie en el film, era por aquel entonces mujer de Carpenter y Jamie Lee Curtis pone la voz a la narradora de la película y a la voz de la computadora.











Existe un prólogo inédito en el que Snake Plissken comete un atraco a la Reserva Federal de los EE.UU., después del golpe escapa hasta una estación de metro donde le espera Taylor (Joe Unger), su cómplice, con quien huye en un metro, cuando llegan a la siguiente estación la policía les está esperando, Taylor acaba muerto y Plissken es capturado.

Esta es la razón por la que Plissken es enviado a Nueva York. La secuencia abriría la película, pero Carpenter decidió eliminarla porque consideró que era más impactante comenzar la película con Manhattan convertida en prisión.




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2001: Una odisea del espacio



2001: A Space Odyssey es una película de ciencia ficción dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en 1968 que marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales y su realismo científico, convirtiéndose en poco tiempo en una película de culto. El guion fue escrito por el propio Kubrick y por el novelista Arthur C. Clarke, basándose en una novela corta de este último titulada "El centinela", escrita en 1948.

Se gastaron 10,5 millones de dólares, de los cuales cerca de 6 fueron solamente destinados para los efectos especiales. En Norteamérica recaudó 21,5 millones de dólares en su primera semana. Ganó el Oscar a los mejores efectos especiales.



Curiosidades:


La niña que aparece en 2001: una odisea del espacio hablando con su papá por teléfono es una de las hijas de Kubrick.



Douglas Rain (la voz de HAL) jamás pisó el set de filmación.



Los actores eran sujetados por cables cuando salían de la nave para dar la impresión de moverse en el espacio, que en realidad era de terciopelo negro.



No hay ningún diálogo en los primeros 25 minutos de la película (terminando cuando una azafata habla en 25:38), ni en los últimos 23 minutos (sin créditos). Con estos dos tramos largos y otros más cortos, hay alrededor de 88 minutos libres de diálogo en la película.



Todos los monitores de ordenador que aparecen en la película, son en realidad retroproyecciones de películas de dibujos animados. De hecho, en la escena del rescate del cadáver en el espacio, uno de los monitores de la cápsula (puede que el de abajo a al izquierda) muestra claramente un pelo o un arañazo en uno de los fotogramas.





El principal conjunto del Discovery fue construido por el fabricante de aviones Vickers-Armstrong en un 12 metros por tambor de dos metros diseñado para rotar a cinco km por hora. Costo $750.000.



En la primera parte de la película, se puede ver un felino de la época comiéndose una cebra. La cebra era en realidad un burro pintado.



Para hacer la película, Kubrick estuvo 4 años junto a investigadores de la NASA para tener la seguridad de que todos los adelantos electrónicos y ordenadores existiesen en el verdadero 2001.



Stanley Kubrick pidió varias toneladas de arena importada, lavada y pintada para las escenas de la superficie de la luna. La Luna se elaboró en los estudios teniendo en cuenta las fotografías de la NASA y con arena teñida de azul.






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American Graffiti



Es la última noche del verano de 1962, y los adolescentes de Modesto (California) quieren divertirse antes de afrontar sus responsabilidades como adultos. Así que todos salen esa noche para beber, ligar, pasearse en coche, ir a la bolera o bailar un rato.

Dirigida por George Lucas y producida por Francis Ford Coppola, American Graffiti nos narra la historia de un grupo de adolescentes y sus aventuras durante una noche, en la localidad de Modesto (California). Su retrato de la forma de vida de los jóvenes de Estados Unidos en los años 60, y su excelente banda sonora plagada de éxitos del Rock and Roll de los 50, convirtieron a American Graffiti en un enorme éxito, siendo una de las películas más rentables que se han hecho. El film se estrenó finalmente en 1973, siendo un gran éxito de taquilla.

Reparto:Richard Dreyfuss, Ron Howard, Charles Martin Smith, Paul Le Mat, Candy Clark, Mackenzie Phillips, Cindy Williams, Harrison Ford, Wolfman Jack, Bo Hopkins, Kathleen Quinlan, Suzanne Somers, Beau Gentry, Jim Bohan, Jan Bellan, Deby Celiz, Lynne Marie Stewart.




Curiosidades:


Al principio de la película, Charles Martin Smith sale conduciendo una moto con la que tiene un accidente. Este hecho realmente no estaba en el guion, pero Lucas siguió rodando. El actor realmente perdió el control de la moto, ya que no sabía conducir una.



La famosa cafetería, punto de encuentro de los protagonistas del film, llevaba varios años cerrada, pero se reabrió para el rodaje de 'American Graffiti', recuperando su esplendor nostálgico de antaño. Sin embargo, fue una reapertura efímera, porque, una vez se fueron los cineastas, el Mel's Drive-In original fue cerrado y demolido. Años después, el hijo del propietario decidió reconstruirlo y reabrirlo en 1981, para luego convertirlo en una minicadena de restaurantes. Hasta la fecha tienen siete, todos ellos situados en la zona de Hollywood y alrededores de Los Ángeles y San Francisco, donde es habitual ver almorzar al propio George Lucas.



A través de anuncios en la prensa local, Coppola y Lucas solicitaron la colaboración de todos aquellos que pudieran aportar coches de época para la ambientación de las escenas. Más de mil propietarios de vehículos clásicos atendieron a la llamada, y finalmente se seleccionaron alrededor de trescientos de diversas marcas: Chevrolet, Ford, Mustang, etc.





Aunque Hollywood seguía compitiendo con la televisión empleando grandes formatos (Cinemascope), Lucas prefirió filmar 'American Graffiti' en Techniscope, un sistema ligero de filmación en 35 mm. Común en rodajes de documentales, según él, porque, precisamente, quería darle un aspecto semidocumental a la historia. Sin embargo, podría existir una razón más práctica y menos romántica: que con menos de 1 millón de dólares, el presupuesto no diera para cámaras Cinemascope.



Hasta los años setenta, solo las estrellas y los jefes de equipo estaban acreditados en las películas (normalmente, en los títulos iniciales, cerrándose los films con el clásico "The End"). Debido al bajo presupuesto asignado a 'American Graffiti', Lucas propuso a técnicos y ayudantes aparecer en unos créditos finales de la película a cambio de un salario que no les podía pagar, una insólita oferta que, sin embargo, aceptaron. De este modo, su trabajo se vio reconocido en una obra cinematográfica.

Desde entonces, la norma general es que todo aquel que participa en una producción cinematográfica (haya cobrado o no) aparezca debidamente acreditado en los títulos del film.



La película fue lucrativa para todos, ya que Lucas cedió uno de sus puntos porcentuales de los beneficios de la película, dividiéndolo a partes iguales entre los actores (incluido Wolfman Jack), quienes recibieron un sencillo 1%, que con el paso de las décadas se convirtió en más de un millón de dólares para cada uno.



La música era un factor ambiental clave para Lucas en esta película, y sobre el guion tenía anotados los títulos de más de ochenta canciones de la época. Para Universal, se trataba de algo inviable: por un lado, porque 'American Graffiti' no era un musical (y ni en ese caso se hubiesen planteado tal cantidad de temas), por otro, porque no podían pagar los royalties sin disparar el presupuesto. Finalmente, la BSO se quedó en solo cuarenta y cinco canciones de artistas como The Platters, Chuck Berry, Buddy Holly, The Beach Boys, The Del Vikings o Bobby Freeman, entre otros.

Gracias al film, algunos de estos músicos regrabaron y relanzaron los temas que aparecían en la película, volviendo a situarlos en las listas de éxitos. El disco de la banda sonora de la película también se convirtió en un LP muy preciado por aficionados y coleccionistas.



Lucas cumplió con los plazos y con los presupuestos; sin embargo, una vez enlatada, y para desesperación del director, Universal no se decidió a estrenarla hasta seis meses después y tras imponer varios cambios en el montaje.

Cuando se lanzó, 'American Graffiti' se convirtió en un éxito instantáneo, que terminaría recaudando más de cien millones de dólares y logrando cinco nominaciones a los Oscar en 1974: Mejor Película, Director (Lucas), Actriz de Reparto (Candy Clark), Guion Original y Montaje. No se llevaría ninguno, pero sí otros premios relevantes, como dos Globos de Oro (Mejor Película de Comedia o Musical y Mejor Actor Promesa para Paul Le Mat).

Sin embargo, los enfrentamientos con la Major marcaron un antes y un después en la personalidad del director, que juró que jamás volvería a ceder ante la presión de un gran estudio.



Es curioso que encontremos en 'American Graffiti' algunas semillas de la futura 'Star Wars' (y no solo por la coincidencia de Harrison Ford en los respectivos elencos o la explícita pasión por la velocidad de Lucas). Un jovencísimo Mark Hamill se presentó al casting, pero no logró entrar en la película; pero años después se convertiría en el héroe más famoso de la galaxia.

El número 327, que se ve en el lateral de un motor, aparecerá también en tres películas de la saga galáctica (concretamente, en 'La guerra de las galaxias', 'El Imperio contraataca' y 'La amenaza fantasma').



Con el paso del tiempo, 'American Graffiti' se ha convertido en un icono estadounidense. Tanto es así que desde 1998 se celebra en Modesto el 'American Graffiti Festival', una concentración y desfile de coches de época para los amantes de vehículos clásicos y nostálgicos del film. El propio Lucas ha acudido en varias ocasiones a este evento, cuya 18ª edición tendrá lugar entre el 10 y el 12 de junio próximos.





Lucas escuchaba a DJ Wolfman Jack en la radio cuando se encontraba en la escuela secundaria y lo incluyó en su guion. Coppola animó al director a contratar al auténtico Wolfman para hacer de sí mismo, algo que el DJ aceptó. El avión visto al final de la película había sido propiedad del grupo de rock Grand Funk Railroad.





El ahora popular Harrison Ford realizó uno de sus primeros papeles en el cine dando vida a Bob Falfa. Y este hecho cambió el curso de su carrera, ya que fue el momento en que conoció a Lucas. "No tenía ni idea de quien era George, admitía el actor. "Hice una audición para American graffiti y él estaba sentado en la parte posterior de la habitación, en ningún momento me dijeron quien era". Fue gracias a Fred Roos que consiguió el papel, Ford hacía trabajos de carpintería para Roos.

Lucas quería que se cortara el pelo, pero Ford se negó a hacerlo y le sugirió al director que podría llevar en su lugar un sombrero de vaquero. "George pensó en ello y recordó a un grupo de tipos de Modesto, llevaban sombreros de vaquero, así que resultó que realmente encajaba en la película," recordaba el actor.



El número 327 es recurrente en las películas de George Lucas. En American graffiti puede verse grabado en el costado de un motor. Dicho número también aparece en La nave espacial nubia 327 tipo J utilizada por la reina Amidala , que tenía un núcleo de hiperimpulsor nubio 327 en The Phantom Menace.
El aerodeslizador Rian 327, propiedad de Padmé Amidala en La venganza de los Sith. El droide elevador de carga Hurid- 327 en casa de Maz Kanata en El despertar de la fuerza.




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Critters



Ocho alienígenas hambrientos llegan a la Tierra buscando alimento. En su camino se encuentran con la familia Brown que, sin saberlo, se convierte en el plato principal de su menú. Sin embargo, los Brown contarán con la ayuda inesperada de una pareja de cazadores intergalácticos. Inspirada en "Gremlins", sin embargo, el primer guion de Critters fue escrito antes de que comenzara incluso el rodaje de Gremlins. Filme de bichos peligrosos que gozó de considerable apoyo entre los fanáticos del género, conociendo hasta 3 secuelas.

Con un presupuesto de 3 millones de dólares, la primera película de Critters obtuvo un buen éxito de taquilla y de crítica, recaudando: 13,2 millones de dólares, convirtiéndose en una película de culto y a sus protagonistas peludos en uno de los monstruos míticos del cine de terror de los 80.


Curiosidades:


Los diseñadores de los Critters son los hermanos Chiodo, un grupo de hermanos artistas de efectos especiales, expertos en marionetas, que alcanzaron la fama con Payasos Asesinos del Espacio Exterior. También trabajaron con Tim Burton en Vincent o La Gran Aventura de PeeWee.





El videoclip que aparece en la película, Power of the Night, fue de una canción compuesta e interpretada por el propio actor Terrence Man, que interpreta a Johnny Steele y al Cazarrecompensas Ug.





Hay una escena donde uno de los Critters agarra a un muñeco de E.T. y le pregunta si esa es su casa (inolvidable escena), para luego devorarlo, es una broma macarra del director a Steven Spielberg. El gato de la película se llama Chewy, en un guiño a Chewbacca de Star Wars.







A pesar de ser una recordada como una película muy violenta, en realidad solo dos personas, una vaca y un par de gallinas, mueren a lo largo de toda la película, el resto son heridos.



Corey Burton, que hizo la voz de los Critters realizó una mezcla de lenguajes para los personajes (francés y japonés), como los ya conocidos Minions cuyo creador y actor de voz Pierre Coffin mezcla lenguajes como español, japonés, italiano,coreano.



El logo estampado en la remera de bowling del padre de Brad, es una parodia al logo de los cazafantasmas (Ghostbusters) de 1984 protagonizada por Bill Murray.



Brad, protagonista del film, tiene un póster de Forbidden World, también conocida como Mutant en su cuarto. El film de culto de 1982 sirvió también de inspiración para la creación de los Critters, aunque estos son más parecidos a los xenomorfos, de la saga de películas Alien. Scott Grimes (Brad) contaba con 15 años de edad, aunque no era su primera película.







En la nave de los cazarrecompensas se puede ver la cabeza de un Mangalore conocido más adelante en "El quinto elemento" , estrenada el 22 de mayo de 1997. Los huevos de critters eran manzanas cubiertas en azúcar. Dos anécdotas que forman parte de la segunda entrega de Critters.





En la tercera entrega de Critters vemos a un jovencísimo Leonardo DiCaprio en su primera película con 12 años.




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Easy Rider



Es una película independiente dramática estadounidense del subgénero road movie de 1969 dirigida por Dennis Hopper e interpretada por él mismo con Peter Fonda y Jack Nicholson como actores principales. Billy (Dennis Hopper) y Wyatt (Peter Fonda) son dos jóvenes que se embarcan en un viaje cruzando el suroeste y sur de Estados Unidos con el objetivo de asistir al carnaval Mardi Gras en Nueva Orleans. Para financiar su viaje, se sirven del tráfico de cocaína en la frontera con México. Con sus motocicletas emprenden un viaje en el que conocen diversas caras de la sociedad estadounidense.

Con un presupuesto de 360,000–400,000​ dólares y recaudo 60 millones​ de dólares.


Curiosidades:


Easy Rider tuvo un considerable impacto en la contracultura americana, retratando algunos de los problemas sociales y las tensiones en los Estados Unidos durante la década de 1960, como el surgimiento del movimiento hippie o el auge de las drogas. Como curiosidad, se usaron drogas reales en las escenas que se mostraban el uso de marihuana y otras sustancias.





Se construyeron dos ejemplares de cada motocicleta, pero de esas cuatro unidades, ninguna sobrevivió. Las dos Billy Bike fueron robadas una vez que terminó de grabarse la película, e igual destino tuvo la Capitán América que tenía Peter Fonda (fue hurtada del garaje del actor).





Dennis Hopper odiaba las motos, y le daba mucho miedo conducirlas, porque no sentía la confianza suficiente. Por esto, era común que sufriera accidentes durante el rodaje (aunque también era por las drogas). Era una verdadera paradoja, ya que gracias a la película se consolidó el estilo custom en el mundo de las dos ruedas.



El rodaje de Easy Rider supuso la ruptura de una amistad que parecía inquebrantable. Por los problemas que ocasionó Dennis Hopper durante las grabaciones, Peter Fonda decidió romper relaciones. Pero las peleas continuaron después del estreno, con Dennis acusando a su “ex amigo” de querer robar el éxito de la película. A lo que Fonda siempre respondía que él había arriesgado su dinero y reputación en un proyecto en quien nadie confiaba.



Easy Rider fue una de las pioneras en hacer un uso extensivo de temas musicales previamente publicados, en lugar de una partitura especialmente escrita. La banda sonora es de auténtico lujo, con temas rockeros de The Byrds, The Band o Jimi Hendrix, que cedieron los derechos de sus canciones para el filme. No obstante, se recuerda con especial furor el tema “Born to be Wild” de Steppenwolf, en cuya letra se menciona por primera vez la expresión “Heavy metal“.



El cementerio de Nueva Orleans, St. Louis, es un cementerio católico. No tenían permiso para rodar allí, y los miembros de la audiencia católica estaban sorprendidos y extrañados de que la iglesia lo hubiera permitido. Después de ‘Easy Rider’, no se ha podido rodar ninguna otra película en St. Louis, salvo algún un documental, y con permiso expreso.



Dennis Hopper y Jack Nicholson, grandes fans del director Michelangelo Antonioni, invitaron a su ídolo a la primera proyección de su película. El realizador italiano quedó lo suficientemente impresionado como para contratar a Nicholson para su siguiente largometraje, ‘El reportero’ (1975). El personaje que interpreta Jack Nicholson en esta película estaba escrito para alguien de 42 años. Él tenía 30.



Dennis Hopper era un apasionado del Salvaje Oeste y siempre defendió que Easy Rider era, en realidad, un western en moto. Los nombres de los personajes protagonistas –Billy y Wyatt– eran ya toda una declaración de intenciones y una referencia a Billy, el niño y Wyatt Earp. Pero la pasión de Dennis Hopper por el Far West iba peligrosamente mucho más allá: andaba siempre por el set de rodaje con dos revólveres Colt cargados. Para terror del equipo de producción. No era lo más recomendable para alguien que solía ir habitualmente drogado hasta las cejas.



Además de consumir marihuana a kilos, el equipo creativo de Easy Rider también consumía algo aún más extraño en la América de finales de los 60: cine europeo. Hopper y Fonda repitieron en multitud de ocasiones que se inspiraron en la película italiana La escapada (1962) para hacer su cinta.



La película fue un despropósito. Dennis Hopper –a la sazón director del proyecto– y Peter Fonda se cansaron de escribir el guion y lo dejaron a medias, de modo que improvisaron la mayor parte a medida que avanzaban. De todos modos daba igual; la mayoría de las veces Hopper estaba tan colgado que se le olvidaban los diálogos.




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Dunkerque (2017)



La trama de la película nos narra los hechos históricos ocurridos en la Segunda Guerra Mundial durante la denominada "Operación Dinamo", en la que más de 300.000 soldados británicos, franceses y belgas tuvieron que ser evacuados de la playa de Dunkerque (costa francesa) en pocos días, debido al avance del ejército alemán. La película obtuvo tres premios Óscar en las categorías técnicas a Mejor sonido, Mejor edición de sonido y Mejor montaje.


Curiosidades:


Nolan escribió el guion desde tres perspectivas distintas: tierra, mar y aire, con poco diálogo y con el fin de crear suspenso por medio de los detalles. La grabación se inició en mayo de 2016 en Dunkerque, Francia, y terminó en Los Ángeles, Estados Unidos, en donde se realizó la posproducción. El cinematógrafo Hoyte van Hoytema grabó la cinta con rollos IMAX de gran formato y requirió el uso de efectos especiales reales con el empleo de 6 000 extras, y la construcción de parte de los botes utilizados durante la operación y el uso de aeronaves de la época para las secuencias aéreas.





Para evitar el empleo de efectos especiales generados por computadora, se usó utilería militar, vehículos blindados de cartón y soldados con los que simular una armada más grande, Neil Andrea, coordinador marino, localizó seis barcos en un periodo de cinco meses, que Nolan acondicionó para la filmación.

Los barcos usados en el filme son navíos reales de la Segunda Guerra Mundial. Cerca de otros cincuenta botes fueron empleados para la filmación, doce de ellos, pequeños botes empleados por civiles durante la evacuación en 1940 y que fueron manejados por sus propietarios actuales.

Un pequeño yate de trece metros de largo llamado Moonstone y construido en 1930, fue empleado durante seis semanas como uno de los escenarios centrales. El yate, con capacidad para apenas diez personas, llevó a casi sesenta en una de sus escenas más demandantes grabadas en el lago IJsselmeer.






El destructor francés Maillé-Brézé, acondicionado como un buque británico.


El destructor holandés MLV Castor, acondicionado como buque británico.


Yate Moonstone.

Los aviones tuvieron que ser acondicionados con dos cabinas para permitir la grabación en vuelo. Para este propósito, un Yakovlev Yak-5232​54​ fue acondicionado para representar a un Supermarine Spitfire en donde se situarían un actor y su piloto. Dos Spitfire Mk.IAs, un Spitfire Mk.VB y un Hispano HA-1112 (adecuado para representar a un Messerschmitt Bf 109 también fueron usados para las secuencias de combate aéreas.

Réplicas a gran escala controladas por control remoto del Heinkel He 111 y el Junker Ju 87 se usaron para simular un impacto directo contra el canal inglés.​ Cámaras especiales IMAX con capacidad acuática fueron instaladas a los aparatos en la punta y en la cola, y réplicas a gran escala se sumergieron para las escenas de hundimiento.





Para la película se necesitaron más de 6.000 extras, y para dar más suspense a las escenas, Nolan estudió numerosas películas antiguas mudas, ya que los diálogos tienen muy poca presencia durante todo el film. El rodaje de Dunkerque tuvo lugar en el mismo lugar que la evacuación histórica real.





La película está dividida en varias partes, por lo que muchos de los actores de la película nunca se conocieron entre sí. Según reportes, algunos veteranos de Dunkerque que vieron la película afirmaron que la cinta es mucho más ruidosa que el evento real.





La evacuación de Dunkerque inspiró uno de los discursos más dramáticos de Winston Churchill.



"Llegaremos hasta el final, lucharemos en Francia, lucharemos en los mares y océanos, lucharemos con confianza creciente y fuerza creciente en el aire, defenderemos nuestra Isla, al precio que sea, lucharemos en las playas, lucharemos en los aeródromos, lucharemos en los campos y en las calles, lucharemos en las colinas, no nos rendiremos jamás, y si esta isla, cosa que no creo de momento, o una parte importante de ella fueran sometidas y pasarán penurias, nuestro imperio allende los mares, armado y protegido por la Flota Británica, continuará la lucha, hasta que, cuando Dios quiera, el Nuevo Mundo, con su poder y su fuerza, venga al rescate y la liberación del Viejo".


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Grease (1978)



Ambientada a finales de la década de los años 50, la historia de Grease comienza en las playas Californianas, cuando Danny Zuko y Sandy Olsson pasan el verano juntos y enamorados. Tras acabar las vacaciones de verano, ambos se despiden y regresan a la escuela. Ninguno de ellos sabe que van al mismo instituto, Rydell High.

Pero la actitud de Danny ya no es la misma: ya no es el chico encantador y atento que encandiló a Sandy; ahora es engreído e insensible. Contando con un presupuesto de seis millones de dólares, Grease fue un éxito de crítica y taquilla, logrando una recaudación de casi 400 millones de dólares en los cines.
Dirigida por Randal Kleiser y en el reparto: John Travolta, Olivia Newton-John, Stockard Channing, Jeff Conaway, Barry Pearl, Michael Tucci, Kelly Ward, Didi Conn, Jamie Donnelly, Dinah Manoff, Eve Arden, Frankie Avalon, Joan Blondell, Edd Byrnes, Lorenzo Lamas, Sid Caesar.


Curiosidades:


Olivia Newton-John ya había actuado previamente en la película musical "Toomorrow" (1970). Debido a que la actriz es nativa de Australia, su acento americano no sonaba nada convincente y hubo que modificar el guion, convirtiendo a Sandy en una estudiante australiana de intercambio. La actriz en realidad tenía dudas de implicarse en la película por su mala experiencia anterior con los musicales. John Travolta se presentó en su casa un día y acabó convenciéndola para que hiciera las pruebas del casting.



Antes del lanzamiento de la película, los productores llegaron a un acuerdo con Pepsi para que apareciera la marca y sus productos en el film. Sin embargo, en alguna de las escenas se colaron referencias a Coca-Cola. En la escena del Palacio del helado (Frosty Palace), hay varios anuncios de fondo con el logo de Coca-Cola. Se pidió al director que filmara de nuevo las escenas cambiando los anuncios, sin embargo, el proceso era demasiado costoso y largo, por lo que finalmente se decidió corregirlo en postproducción, haciendo "borrosas" las referencias a Coca-Cola en el film.



Puede que nunca te hayas preguntado el significado de ‘Grease’. Teniendo en cuenta que se estrenó en Estados Unidos, la traducción literal de la palabra al inglés es “grasa”. En algunos países como Chile o Colombia la llamaron “Brillantina” o en algunos otros países de Sudamérica la reconocían como “Vaselina”. Y lo cierto es que por ahí van los tiros. El nombre de la película hace referencia a los jóvenes de 1950 conocidos como los "greasers". Así se les identificaba por sus peinados “greased back”, engominados y peinados hacia atrás, tal y como vemos representado en el filme.



La escena del concurso de baile fue rodada en verano, cuando en el Huntington Park High School, el instituto que dio vida al Rydell High School, no se daban clases. El gimnasio no tenía aire acondicionado y las puertas debían estar cerradas para impedir que entrara la luz, así que el edificio se convirtió en un invernadero. De hecho, hubo que sacar a muchos extras desmayados de calor durante el rodaje de la escena.





En el musical original, el tema 'Greased Lightning' lo interpreta Kenickie (Jeff Conaway), pero Travolta influyó para cantar esa parte. El director, Randal Kleiser, pensó que había que comentárselo a Conaway, que al principio no quiso, pero finalmente cedió. Conaway no fue el único en quejarse a los productores, sino también la mayoría del reparto, e incluso la coreógrafa, Patricia Birch.

Travolta consideró que este número debía ser para él después de que a Olivia se le hubieran añadido dos canciones más que las que tiene en la versión teatral; así estaban más igualados. La canción debía tener algo de gafe para Conaway quien, al rodarla, se cayó y se lesionó en la espalda. Se vio obligado a tomar analgésicos, lo que derivó en un abuso de medicamentos y más tarde en una adicción a las drogas que le llevaría a la tumba en 2011 a los 60 años.



En la película se supone que son todos adolescentes, pero en la práctica ahí no había nadie que tuviera la edad del instituto ni de lejos. Olivia Newton-John tenía 29, Travolta 23, Stockard Channing 33 (y su cutis así lo atestiguaba si os fijáis), Jeff Conway 26, Michael Tucci 31, Didi Conn 25, Dinah Manoff 21, Barry Pearl 27, Eddie Deezen 20, Jamie Donnelly 30, Annette Charles 29, el único que tenía una edad cercana era Lorenzo Lamas, que tenía 19.





En la famosa escena de 'You're the One that I Want' -gracias a la cual, sin duda, 'Grease' se ha convertido en una de las películas favoritas de las amantes de la moda-, le dieron a Olivia unos pantalones auténticos de los años 50, pero se rompió la cremallera. Así que se los tuvieron que coser cada mañana durante una semana para encajar en ellos. "Tuve que tener mucho cuidado con lo que comí y bebí. Fue insoportable". La escena final se rodó a 41 °C. Olivia conservó los pantalones hasta noviembre de 2019, cuando los entregó a una subasta solidaria para recaudar fondos contra el cáncer organizada por la casa Julien's en Los Ángeles junto con la chaqueta de cuero del mismo filme. El lote alcanzó más de 400.000 dólares.



La escena en que las Pink Ladies están haciendo una fiesta de pijamas en casa de Frenchie tiene también su número musical, Look At Me I’m Sandra Dee. En una de las partes de la canción, Rizzo coge un póster de Elvis Presley y mueve las caderas como el cantante, mostrando adoración por él. Pues bien, en un principio no iba a ser el protagonista de ese momento, sino Sal Mineo, pero justo el día en que la rodaron fue el día de la muerte del Rey del Rock & Roll. En homenaje a él la cambiaron.



Se mascaban más de 5.000 chicles al día en el rodaje. Se llegaron a consumir más de 100.000 durante el tiempo que duro la producción.



El lugar donde se rodó Grease era un instituto real situado en el barrio de Venice, en Los Ángeles, llamado Venice High School. Y sí, se continúan dando clases. Ahora bien, saben de su popularidad en el cine, así que se organizan visitas guiadas para turistas que quieran hacerse fotos en sus instalaciones. La propia web del centro escolar tiene un apartado donde ensalza sus apariciones en el cine y en televisión. Además, las aulas del centro de secundaria acogieron a una alumna en los inicios de su carrera: Britney Spears. El videoclip de Baby One More Time, canción con la que debutó su carrera como solista y que la llevó al estrellato, se rodó en ese colegio.



Carrie Fisher fue considerada para interpretar a Sandy. El director, Randal Kleiser fue personalmente a los estudios donde se rodaba Star Wars para ver a Carrie en una de las escenas de batalla. Como no pudo determinar si ella era la indicada, siguió buscando hasta encontrar a Olivia Newton John.



"Tengo tantos cardenales que parezco el vaticano" es una de las frases más míticas de Rizzo en Grease. Lo que no sabías es que los "moratones" del cuello de los que habla eran reales, ya que Jeff Conaway (novio de Rizzo en escena) se empeñó en hacérselos él mismo para que fuese más auténtico todo.






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Reunión Olivia y John 41 años después.


















Fuente:
filmaffinity
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Encuentros en la tercera fase (1977)



Es una película estadounidense de ciencia ficción de 1977 escrita y dirigida por Steven Spielberg, y protagonizada por Richard Dreyfuss, Melinda Dillon, François Truffaut, Teri Garr, Bob Balaban y Cary Guffey.

Cuenta la historia de Roy Neary, reparador de líneas eléctricas de Indiana, a quien le cambia la vida tras experimentar un encuentro con un objeto volador no identificado, de cuya existencia está al tanto el gobierno de los Estados Unidos, el cual colabora con los ovnis en una especie de equipo internacional de científicos investigadores.

El filme se estrenó en noviembre de 1977 con gran éxito financiero y buena crítica. En 2007, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Contó con un presupuesto de 20 millones dólares, siendo un gran éxito de crítica y taquilla, recaudando más de 300 millones de dólares. Gano un Óscar a la mejor fotografía y otro a los mejores efectos de sonido.


Curiosidades:


Durante los primeros años de su carrera, Spielberg mostró un gran interés por la temática OVNI con films como este que hoy nos ocupa u otros como ‘Firelight’ (su primera y ya casi inencontrable película fechada en 1964) o la inolvidable ‘E.T. El extraterrestre’ (1982). Pero ¿De dónde le venía esta fascinación? La respuesta la encontramos en su infancia y en su padre, un gran aficionado al género que una noche lo llevó a presenciar una lluvia de estrellas que impactó al famoso cineasta.



El mítico Steve McQueen era la primera opción de Spielberg para interpretar a Roy Neary (el protagonista que se obsesiona con el fenómeno tras presenciar un avistamiento), pero fue el propio actor el que desestimó el papel. McQueen alegó que no se veía capaz de llorar en una determinada escena. Spielberg luego se lo ofreció a otros actores muy famosos del momento, como fueron Jack Nicholson, Gene Hackman, James Caan, Dustin Hoffman y Al Pacino. Todos lo rechazaron, Spielberg llamó a Richard Dreyffus, con el que tenía una gran afinidad, pues ya habían trabajado juntos en ‘Tiburón’ (1975).



Carl Weathers, el inolvidable Apollo Creed de la saga Rocky, tenía una pequeña aparición en la película como uno de los militares encargados de controlar la zona gaseada. Sin embargo, su breve intervención se quedó en la sala de montaje… no así su nombre que aparece recogido en los créditos finales.



J. Allen Hynek y Jacques Vallée eran dos astrofísicos y ufólogos de la época que fueron consultados por Steven Spielberg. Hynek le asesoró a la hora de escribir el guion e incluso tuvo un cameo en las escenas finales del film. Vallée, por su parte, quedó reflejado en la figura del personaje Claude Lacombe, interpretado por el también francés François Truffaut. (Hynek es el de la izquierda y Vallée el de la derecha).



Muchos se han preguntado que significa eso de la tercera fase. De hecho, no tiene mucho sentido porque en la película no se hace referencia al título ni se da ninguna explicación. Spielberg basó la idea del título en las investigaciones del doctor Allen Hynek, un científico que trabajaba para el proyecto Blue Book. En estos estudios, el científico admite que un 11 % de los encuentros con objetos voladores no identificados no tiene una explicación científica.

El título de la película se basa en un sistema de clasificación que hizo el propio Hynek. Según el científico, un encuentro en la primera fase es ver un ovni en el cielo. Cuando es un encuentro en la segunda fase significa que hay una evidencia física de la existencia de un alienígena. Un encuentro de la tercera Fase es el contacto directo con vida extraterrestre. De ahí se sacó el título de la película de Spielberg.



Para trabajar en la edición especial de la película que fue estrenada en 1980, Steven Spielberg contó con un presupuesto nuevo de 1,5 millones de dólares. Gracias a esta cantidad se mejoraron y añadieron varias escenas al metraje del film original, entre ellas la del barco Cotopaxi en el desierto del Gobi. El SS Cotopaxi y su tripulación desaparecieron en 1925, presumiblemente el carguero se hundió, sin embargo, la leyenda asocia su desaparición a los diferentes mitos del Triángulo de las Bermudas.



Los famosos droides de ‘La guerra de las galaxias’, R2-D2 y C-3PO, tuvo un curioso cameo en el film. La aparición de R2-D2 tiene lugar boca abajo tapando uno de los focos de luz de la nave nodriza que llega a la Torre del Diablo. Spielberg y Lucas eran buenos amigos y posteriormente colaborarían en la saga de Indiana Jones. Además, en el diseño de la nave (pero ya no visibles) se insertaron otros pequeños guiños como el caza de Darth Vader, un autobús e incluso una tumba.





Para diseñar los OVNIS se pensó en usar logos de empresas famosas… pero al final se decidió que se basaran básicamente en juegos de luces como las de los aviones 747, de esta forma, lo importante pasaron a ser las luces y no el diseño.



Los extraterrestres que aparecen en los minutos finales del film fueron recreados de dos maneras: el más alto de todos que se comunica de manera gestual con Claude Lacombe era una marioneta manejada con cables. En cambio, los más pequeños eran niñas disfrazadas con trajes de aliens.





Para hacer la gigantesca nave nodriza que establece contacto con los humanos en la Torre del Diablo se tomó como modelo una refinería y era concebida como una gran ciudad en el cielo. Para recrearla se utilizaron dos maquetas de naves: una de 2,5 metros de ancho que era la del juego de luces repleta de tubos de neón y otra de cuerpo entero de unos 90 Kgs de peso.



John Williams compuso el inolvidable “saludo sonoro” o mensaje a través del que se establecerían las comunicaciones con los extraterrestres. Williams, con la colaboración del propio Spielberg, dio mil vueltas hasta dar con la mágica clave: SOL, LA, FA, FA y DO. El saludo era repetido hasta la extenuación y en diferentes escalas en el panel fabricado al efecto.







Spielberg quería rodar en lugares que fueran lo más real posibles. No quería montar escenarios en estudios con complicados decorados. El problema era que era complicado encontrar localizaciones. Uno de los escenarios que fueron más difíciles era la montaña donde estaba la nave espacial. El equipo de producción estuvo mucho tiempo buscando sitios donde poder rodar. Finalmente, encontraron un hangar abandonado en Alabama que había sido usado para dirigibles durante la segunda guerra mundial. También encontraron cerca la enigmática montaña que estaban buscando.

Además, compraron una casa en la localidad de Alabama llamada Mobile. La utilizaron para rodar la película y luego la vendieron consiguiendo incluso beneficios de la venta. La compraron por 35 mil dólares y la vendieron por 50 mil. Los 15 mil euros de beneficios se añadieron al presupuesto de la película.







Para crear los alienígenas se contrató al especialista de efectos especiales italiano Carlo Rambaldi. Creó unos muñecos animados de acero, aluminio y fibra de vidrio para hacer los aliens que salen al final de la película. Todas las articulaciones y movimientos de los alienígenas eran controlados por hasta siete personas. Lo que no sabe mucha gente es que esto inspiró a Spielberg para crear E.T. De hecho, Spielberg pensó que pasaría si uno de los alienígenas de Encuentros en la Tercera Fase no pudiera volver a casa. Rambaldi fue contratado de nuevo para generar al famoso extraterrestre de E.T.



Pese a que Spielberg lo había intentado por todos los medios, la NASA se negó en rotundo a participar en el proceso creativo de 'Encuentros en la tercera fase', ni siquiera a modo de consultora.

Para más inri, desde la NASA se envió una carta de 20 páginas al director donde se le decía que estrenar la película podría ser peligroso. Evidentemente, ante tales afirmaciones, Spielberg decidió sacar adelante el proyecto, pues con ello creía que estaba haciendo una especie de bien público al presentar al mundo su historia.



Con 15 años, Steven Spielberg rodó un film amateur titulado Firelight, que narraba las peripecias de una invasión extraterrestre. El realizador comentó que Encuentros en la 3ª Fase es un "remake" con grandes medios y extraterrestres benévolos.




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Golpe en la Pequeña China



Película estadounidense de acción y comedia de 1986. Dirigida por John Carpenter y protagonizada por Kurt Russell, destaca en la filmografía del realizador por alejarse del estilo de suspense y terror. Está considerada una película de culto de los años 1980. La cinta se estrenó en 1053 cines el 2 de julio de 1986. Big Trouble In Little China recaudó 2.700.000 dólares en su primer fin de semana y acabó computando 11,1 millones de dólares en América del Norte, muy por debajo del coste de 25 millones de dólares que costo rodar la película.

Sinopsis:

Jack Burton (Kurt Russell) es un camionero que, en el barrio chino de San Francisco, le gana una gran cantidad de dinero a Wang Chi (Dennis Dun). Este lo convence para que, antes de cobrar el dinero, lo lleve al aeropuerto a recoger a su prometida Miao Yin. Cuando la chica es secuestrada por unos gánsteres chinos, Jack, que se propone rescatarla, entrará en el tenebroso mundo de Lo Pan, un mago que tiene 2.000 años y que gobierna sin piedad el mundo de los espíritus. Esquivando demonios y haciendo frente a temores incomprensibles, Jack lucha a su manera en los oscuros dominios de Lo Pan en una loca carrera para salvar a la chica.

Dirección: John Carpenter

Reparto: Kurt Russell, Kim Cattrall, Dennis Dun, Kate Burton, Victor Wong, James Hong, Donald Li, Carter Wong, Suzee Pai, Craig Ng, Dawna Lee Heising, Chao Li Chi.


Curiosidades:


Como gran fan, que es Carpenter del cine de artes marciales, estudió un gran número de películas de esta índole para empaparse bien en la materia. Después, durante el rodaje, trabajó con el coreógrafo de artes marciales James Lew, con quien ensayaron y recrearon las mejores escenas de esta índole que Carpenter había visto. Además, para conseguir la perfección, contrataron a los mejores artistas de Kung Fu del país, por lo que ponían a los expertos en primer plano y a los extras al fondo. Sucedió que algunos de esos extras eran miembros de una banda callejera y se pegaron realmente. Algunas personas fueron heridas y acabaron en el hospital.





La producción de esta película supuso un interesante despliegue de medios, ya que la mayor parte del metraje se rodó en los 20th Century Fox Studios de los Ángeles, lo que se traduce a que tuvieron que reconstruir Chinatown, su mundo subterráneo y algunas calles de San Francisco en el estudio de grabación. Esto se hizo así porque Carpenter consideraba que muchas de las escenas y secuencias de fantasía del film no podían rodarse en las calles de San Francisco. Por ello construyeron el callejón en el que tiene lugar la primera pelea de la peli, así como reutilizaron decorados del film Johnny Peligroso (1984), entre otras muchas cosas.



Menos de 2 millones de dólares del presupuesto de la película fueron destinados a la creación de los efectos especiales. Se emplearon técnicas como la caracterización, el maquillaje protésico, animatrónicos, etc. Precisamente se sirvieron de estos recursos a la hora de crear al popular The Wild Man y a la criatura voladora llena de ojos. Para el primero, que era una criatura medio simio, medio humana y medio lobo, se elaboró un traje de licra recubierto de pelo, al que se le rellenaron los músculos y se le añadió una cabeza totalmente funcional. La verdad que la mecánica de la cabeza era un poquito compleja, ya que los ojos, las orejas, parpados, lengua y demás se movían mediante 20 cables diferentes.

Pero parece ser que la criatura más complicada de dar vida fue el esperpento volador llenito de ojos. Para que os hagáis una idea, su fabricación supuso una inversión de 100.000 dólares, casi nada… Además, para crear los movimientos se necesitaba la actuación de 15 operadores que manejasen las palancas y los mandos, mientras que para las tomas en las que se veía al espectro volando, estas se rodaron con un croma de fondo.











Mientras se estaba llevando a cabo la producción de “Golpe en la pequeña China”, al mismo tiempo Paramount Pictures estaba sacando adelante el largometraje “El Chico de Oro”. La película trataba sobre un detective que debía encontrar y proteger a un niño budista al que todos llamaban “Chico de oro”, y que se caracterizaba por tener poderes especiales. Pero resulta que el chaval ha sido secuestrado por un hechicero maligno.

Esto enfadó mucho a John Carpenter, porque ya no solo era que el tema de la película fuese similar, sino que además se iban a lanzar al mismo tiempo. Es más, Paramount le ofreció la dirección del proyecto a Carpenter, pero este dijo que no porque ya estaba sumergido en el rodaje de “Golpe en la pequeña China”. Así que para hacer frente a la competencia, se vieron obligados a acelerar la producción de la película, lo que les permitió estrenar con una diferencia de 5 meses.

Golpe en la pequeña China se estrenó el 2 de julio de 1986 y tuvo un gran problema con la taquilla, ya que solo recaudó 11.100.000 de dólares en los Estados Unidos. Por su parte, el estreno de El chico de oro tuvo lugar el 12 de diciembre y fue uno de los grandes éxitos del año, con 79.817.937 de dólares recaudados en el mismo territorio.



La escena de la persecución, esa que tiene lugar tras el secuestro de la prometida de Wang Chi. Si se observa detenidamente puede que se note que algo raro pasa… y es que esta escena fue rodada a la inversa para después reproducirla hacia delante. Este truco se lo sacó de la manga Carpenter para evitar sufrir riesgos durante el rodaje, ya que los vehículos debían ir a gran velocidad y en ese momento no contaban con los dobles de riesgo.



En la boda, el brujo Lo Pan le clava a Liao Yin la aguja del amor. Resulta que el actor no controló bien la fuerza y realmente le clavó la aguja a su compañera, por lo que la mueca de dolor de la actriz que vemos en la escena es totalmente real.



El característico atuendo que luce Jack Burton en la película: la camiseta blanca de tirantes, los pantalones tejanos con el bajo metido en unas botas, fue ideado por el mismísimo Kurt Russell, quien además mandó hacer las botas a medida a una tienda de Aspen, Colorado, a la que solía ir a comprar. Y ya que estamos hablando de vestuario, el atuendo que luce Jack Burton cuando trata de infiltrarse en el burdel, es el mismo que usaba el actor en su papel en “Frenos rotos, coches locos” (1980).



Hay que mencionar que la oficina de Egg Chen se reconstruyó en el interior de la Fire Station 23. Este edificio es el que se utilizó para construir el interior de la oficina/ “cuartel secreto” de Los Cazafantasmas.



Parece ser que durante la filmación de la escena del burdel, el actor Kurt Russell tenía gripe y probablemente también fiebre, lo que le provocaba sudores. Así que el sudor que le vemos durante la escena es totalmente real.



Pese a que en su día “Golpe en la pequeña China” no despuntó, sirvió de inspiración para crear a algunos de los personajes de uno de los juegos más míticos de la historia: Mortal Kombat. Las 3 Tormentas, fieles guardaespaldas de Lo Pan, inspiraron al popular Dios del Trueno, Raiden; mientras que el malvado brujo Lo Pan sirvió como fuente de inspiración para la creación del malvado hechicero Shang Tsung.



En la escena en la que uno de «Los Tormenta» muere aplastado, algunos rayos que emite forman un símbolo chino que significa «Carpintero», en clara referencia al apellido del director.






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Gremlins (1984)



Rand (Hoyt Axton) es un viajante que un día regala a su hijo Billy (Zach Galligan) una tierna y extraña criatura, un mogwai. El inocente regalo, sin embargo, será el origen de toda una ola de gamberradas y fechorías en un pequeño pueblo de Estados Unidos. Todo empieza cuando son infringidas, una tras otra, las tres reglas básicas que deben seguirse para cuidar a un mogwai: no darle de comer después de medianoche, no mojarlo y evitar que le dé la luz del sol. Con un presupuesto estimado de unos 11 millones de dólares estadounidenses, según Internet Movie Database, Gremlins cerró su primer fin de semana en Estados Unidos (10 de junio de 1984), tras proyectarse en 1511 pantallas, situándose en el 2.º puesto en taquilla. Con una recaudación de USD 12 511 000; una media de unos USD 8 000 por sala de cine.

En total, Gremlins consiguió una recaudación de más de 148 millones de dólares estadounidenses, y unos 153 millones, sumando el total global junto con el entorno doméstico. Situándose como la cuarta película más taquillera de 1984. Durante ese verano estrenaron Gremlins, Superdetective en Hollywood y Los cazafantasmas. Inmersa en semejante duelo, la cinta de Columbus y Dante acabó ostentando un honroso segundo puesto en taquilla.

Dirección: Joe Dante

Reparto: Zach Galligan, Phoebe Cates, Hoyt Axton, Frances Lee McCain, Dick Miller, Polly Holliday, Keye Luke, Corey Feldman, Glynn Turman, Judge Reinhold, Scott Brady, Harry Carey Jr., Jonathan Banks.

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Curiosidades:

El filme fue concebido como una película navideña, pero adelantaron seis meses su estreno en la cartelera para aprovechar una temporada veraniega sin blockbusters. Y es que, entre las películas que se estrenaban en Navidades, estaba Superdetective en Hollywood, entre otras.



En la convención de inventores a la que asiste el padre del protagonista pueden verse la máquina del tiempo que Rod Taylor pilotaba en El tiempo en sus manos (1960) y a Robby, el robot de Planeta prohibido (1956). No eran reproducciones, eran los auténticos, lo que demuestra la pasión de Joe Dante por el cine clásico de fantasía. Tanto Steven Spielberg, productor del filme, como el compositor de la banda sonora de la película, Jerry Goldsmith, aparecen en sendos cameos.



La plaza de Kingston Falls, el pueblo donde transcurre el filme, es la misma que la de Hill Valley, de Regreso al futuro (1985). Ambas eran un decorado de los estudios Universal edificado en 1949 llamado Courthouse Square. Por desgracia, este escenario ardió tras un incendio durante el verano de 2008.



La cantidad de marionetas (robóticas o no) usadas en el filme fue ingente, y ponerlas a punto era complicadísimo. De todas ellas, las que requerían más esfuerzo eran las de Gizmo (había que dotarla de mucha expresividad, y se rompía muy fácilmente) por lo cual el equipo técnico le cogió manía a la criaturita. El odio hacia nuestro amiguito llegó a tales cotas que Dante insertó en el guion la escena en la que los Gremlins atan a Gizmo a una diana y le tiran dardos: por lo visto, el personal se lo pasó pipa rodándola.





Cada Gremlin animatrónico costó entre $30.000 y $40.000. Las marionetas utilizadas para dar vida a los Gremlins eran tan valiosas, que los productores y trabajadores de la película tenían que pasar por revisión sus coches después de cada jornada para asegurarse de que nadie las robaba.





En 1984, Spielberg había amasado ya una demoledora cuota de poder en Hollywood, y una anécdota relacionada con el estreno de Gremlins lo demuestra con creces: para que tanto esta película como Indiana Jones y el Templo Maldito no quedasen vetadas a los niños, la todopoderosa entidad censora aceptó crear una nueva calificación por edades, la PG-13, que permitía asistir a los menores de 13 años acompañados.

Según comentó después Joe Dante, dicha medida tuvo su lado negativo: los papás llevaban a sus peques a ver Gremlins pensando que se trataba de una producción amable y risueña para después encontrarse con su humor negro y sus monstruitos batidos, ensartados y asados al microondas.



Joe Dante prefirió fichar a intérpretes desconocidos para su película. La única excepción fue la de Phoebe Cates, algo que a Spielberg no le hizo demasiada gracia. ¿Por qué? Pues porque la joven actriz le era familiar al público estadounidense gracias a Aquel excitante curso, y su asociación con esa desmadrada comedia teen podía perjudicar (según él) la imagen 'familiar' de la película.



Durante la filmación, a Phoebe Cates (quien interpretó a Kate) le daban miedo los Gremlins animatrónicos y trataba de estar lejos de ellos lo más que podía.



Mogwai” es un término que procede de la mitología china y que significa “espíritu maligno” o “demonio”. Estos personajes están inspirados en las leyendas que contaban los pilotos de la Segunda Guerra Mundial, decían que había unas criaturas semejantes a los duendes que provocaban fallos mecánicos y varios destrozos en los aparatos. Este pequeño ser pertenece a la especie mogway, una palabra que proviene del folclore chino. La historia de estos seres en la tradición asiática ya nos dice que son seres pequeños, sin una apariencia concreta, que se reproducen con el agua de lluvia produciendo una numerosa estirpe, ya que esta les incrementa la lujuria. Fue Roald Dahl, autor de Charlie y la fábrica de chocolate, el que los popularizó en un cuento escrito en 1943.





Lo más productivo de esta película no fue la recaudación en los cines, sino todos los productos que la gente podía adquirir referentes a las películas que, con el paso de los años, se han seguido vendiendo de manera ininterrumpida. Las nuevas generaciones seguramente no sepan donde salía Gizmo, pero desde muy pequeños identifican el peluche como tal. A las típicas tazas, camisetas, gorras, llaveros y demás, todos estos años después han seguido vendiendo su producto estrella, el mogway protagonista, ya sea en figura de acción, a peluches en formato bola, bailarín o incluso con melodías a muñecos mogway con voz y movimiento. A día de hoy la marca de juguetes Neca o los conocidos Funkos tienen entre su gama figuras de dichos largometrajes.






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