Para ser un gran director... ¿hay que tener una película en blanco y negro? Recordamos a directores que afortunadamente desafiaron las leyes del mercado y se arriesgaron con una opción tan expresiva como (supuestamente) 'pasada de moda'. Algunos de estos títulos se concibieron directamente como una película en blanco y negro, mientras que otros han aprovechado su lanzamiento al mercado doméstico para ofrecer al espectador una segunda versión del film. ¿Cuál es tu favorita?



THE ARTIST (Michel Hazanavicius, 2011).


La historia: Hollywood, 1927. El apuesto George Valentin (Jean Dujardin), estrella del cine mudo, ve cómo la llegada del sonoro trunca su carrera, le aleja de la pantalla y le hace caer en una profunda depresión. Al mismo tiempo, la risueña y ambiciosa Peppy Miller (Bérénice Bejo), a la que conoció siendo una aspirante a starlette, asciende meteóricamente en el mundo del cine.

El B/N: Michael Hazanavicius, su director, nos explica cómo se tira adelante hoy en día una película muda y en blanco y negro: "Lo difícil fue encontrar el dinero, hacerla fue fácil porque, cuando crees en algo, estás preparado para hacer frente a todas las dificultades. Pero tuve la suerte de conocer a un productor, Thomas Langmann, que estaba lo bastante loco como para meterse. Yo no quería hacer una película experimental, sino para el público. Pero es cierto que necesitaba a un productor fuerte que pudiera conseguir financiación sin contar con las televisiones, porque las cadenas no ponen dinero en películas en blanco y negro, y menos aún si son mudas."



EL BUEN ALEMÁN (Steven Soderbergh, 2006)

La historia: Con Casablanca (Michael Curtiz, 1942) como referente más que evidente, Soderbergh nos lleva al Berlín de 1945 para ser testigos del peligroso triángulo sentimental formado por un corresponsal de guerra, su corrupto chófer y la mujer que estuvo con el primero y está con el segundo.

EL B/N: El director quiso rodar una película de los años 40 y no solo se quedó en el look: también usó lentes de la época, música al viejo estilo, retroproyecciones simuladas para los fondos, el corte brusco para cambiar de escena y un rodaje de estudio que complementó con imágenes de archivo, algunas del Berlín de posguerra rodadas por Billy Wilder y William Wyler.



BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE. (George Clooney, 2005)

La historia: 1953. La desquiciada cruzada anticomunista del senador Joseph McCarthy encuentra un muro en un honesto periodista de la CBS, Edward R. Murrow, y en el equipo del programa que conduce.

EL B/N: El film se centraba específicamente en un hecho televisivo, explicaba Clooney. Y eso hizo que sus colaboradores reconstruyeran el viejo plató de la CBS donde, en los 50, Murrow presentaba See It Now, y reprodujera hasta el más mínimo detalle de algo que el actor y director conoce muy bien. Y es que el padre de Clooney, Nick, fue presentador de noticias durante 30 años. Y la presencia de Murrow en su ideario estuvo presente durante toda su carrera.



ED WOOD (Tim Burton, 1994)

La historia: La pasión de Ed Wood Jr. por rodar cine vehicula un biopic menos fiel a la verdad que a las sensaciones de Burton respecto a la época y al personaje que recrea.

EL B/N: Para empezar, fue el motivo de que la Columbia supeditara el rodaje a que Burton renunciara al final cut. El cineasta se negó y finalmente la Disney aceptó sus condiciones. Burton cuenta cómo decidió rodar en blanco y negro: Haciendo pruebas de maquillaje y pensando de qué color eran los ojos de Bela Lugosi... Era absurdo, no debía entrar en eso: la película debía ser en blanco y negro. Suelo resistirme a rodar así porque no quiero que me consideren pretencioso, pero esta película necesitaba el blanco y negro.



LA LISTA DE SCHINDLER (Steven Spielberg, 1993)

La historia: El empresario Oskar Schindler (Liam Neeson) consigue mano de obra barata entre los judíos del gueto de Cracovia condenados a muerte por los nazis. Darse cuenta de la barbarie le llevará a salvar las vidas de más de 800 personas.

El B/N: Siete Oscar de una Academia que solía vivir a espaldas de los éxitos del Rey Midas de Hollywood reconciliaron a Spielberg con la industria. Film capital en su carrera, y quizás el más personal (y eso que estuvo a punto de producírselo a Martin Scorsese, que le insistió en que él era el director adecuado para afrontar el proyecto), La Lista de Schindler supuso también el reconocimiento de una crítica que habitualmente le negaba sus parabienes. Lejos de cualquier efectismo técnico y visual, Spielberg apostó por el blanco y negro del operador Janusz Kaminski para conseguir texturas a la europea y un tono cercano al documental. Una hermosa apuesta solamente rota por el prólogo y un epílogo (que une la ficción con los salvados por Schindler en la vida real), y por el simbólico vestido rojo de una niña que deambula ajena a la matanza de judíos que la rodea.



BAJO EL PESO DE LA LEY (Jim Jarmusch, 1986)

La historia:Es una comedia-relato negro-neobeat. Así definía Jarmusch esta road movie sobre tres perdedores (un DJ, un proxeneta y un italiano que colecciona expresiones en inglés y las anota en su cuaderno) que coinciden en la cárcel y que huyen
a través de los pantanos de Nueva Orleans.

El B/N: La austeridad y el minimalismo narrativo de Jarmusch es casi tan inherente a su cine como el uso del blanco y negro (en Extraños en el Paraíso, en su serie de cortos Café y cigarrillos o, más adelante, en Dead Man) como arma expresiva y como plasmación de su independencia.



LA LEY DE LA CALLE (Francis Ford Coppola, 1983)

La historia: Un pandillero adolescente, crecido en una familia desestructurada, idolatra a su hermano ausente (y motorizado) mientras flirtea peligrosamente con la delincuencia.

El B/N: Rodar casi al mismo tiempo Rebeldes (1983) y La Ley de la Calle abarataba costes, y eso, en plena crisis de su productora tras Corazonada (1982), era agua de mayo para Coppola. Ambas se basan en obras de S.E. Hinton. Eso sí, las diferencias estéticas y narrativas entre ambos títulos (según Coppola, este era como un relato de Camus para adolescentes) son palmarias: el look de LLa Ley de la Calle remitía al expresionismo alemán (y usaba el color solo para los simbólicos peces del título original, Rumble Fish).



EL HOMBRE ELEFANTE (David Lynch, 1980)

La historia: El aspecto deforme de John Merrick, que malvive como atracción de feria, esconde a un hombre sensible al que un cirujano intenta ayudar.

El B/N: David Lynch se dedicaba a reparar tejados cuando el productor Stuart Cornfeld, fascinado con Cabeza Borradora (1977), le llamó, empeñado en ayudarle a seguir haciendo cine. Meses después le llegaba la oferta de filmar El Hombre Elefante, pese a las reticencias del estudio. Su productor, Mel Brooks, apostó a ciegas por él, y le dio libertad total para contar una historia que el cineasta veía en un contrastado blanco y negro (que fotografió Freddie Francis), que alimentara la atmosfera victoriana y los aires de Revolución Industrial. Lynch rodó su film menos críptico, aunque empezó a dar pistas de su aplastante e insobornable personalidad.



TORO SALVAJE (Martin Scorsese, 1980)

La historia: Martin Scorsese reconstruye varios pasajes de la vida de Jake La Motta, campeón de los pesos medios en los años 40. Retrato casi redentor de un hombre violento que vive entre la frustración y la autodestrucción, la película ganó dos Oscar, al Mejor Montaje y al Mejor Actor.

El B/N: La apuesta estética del film (el color solo aparece en películas caseras que muestran los años más felices, en el ring y en casa, de La Motta) se acercaba a las luces y sombras de sus recuerdos de los combates de la época. Son en blanco y negro, como los reportajes y fotos de entonces, decía Scorsese. Y quería algo visualmente diferente, y que evocara, por buscar una referencia, a la fotografía de James Wong Howe enChantaje en Broadway (Alexander Mackendrick, 1957).



MANHATTAN (Woody Allen, 1979)

La historia: Nueva York y la música de George Gershwin forman el marco perfecto para contar la crisis existencial de un cuarentón divorciado, liado con una adolescente y colgado de la novia intelectualoide de su mejor amigo. El catálogo temático de Allen al servicio de una oda a su ciudad.

El B/N: El director de fotografía Gordon Willis fue el gran cómplice de Allen al retratar un lugar que adoran (lo que repetirían cinco años más tarde en Broadway Danny Rose). El blanco y negro nos daba una visión magnífica de Nueva York, decía Allen. Siento verdadera pasión y devoción hacia ella, y creo que en el film se la muestra de la forma más hermosa que se ha visto nunca en cine. Momentos convertidos en icono, como el que acompaña el texto, no tendrían la misma belleza en color.



LA NIEBLA (Frank Darabont, 2007)

La historia: Un pequeño pueblo de Maine se ve atrapado en una peligrosa tormenta, que desaparece tan rápido como llegó, dejando tras de sí una densa niebla que enloquece y mata a aquellos que quedan atrapados en la oscuridad.

El B/N: Cuando Frank Darabont se dispuso a adaptar la obra de Stephen King en 2007, la concibió como un capítulo largo de 'La dimensión desconocida'. Por eso, al llegar al mercado doméstico, el director decidió incluir la versión B/N en homenaje al mítico show de televisión.



CLERKS (Kevin Smith, 1994)

La historia: La ópera prima del siempre sorprendente Kevin Smith nos traslada hasta una pequeña tienda de comestibles en Jersey, donde unos dependientes poco ortodoxos y una panda de secundarios de lo más carismático tratarán de hacer frente a su tediosa vida.

El B/N: La falta de presupuesto y de iluminadores llevó al director a tomar la decisión de grabar toda la película en blanco y negro. Un hecho que se convirtió en un gran acierto, dotando a la película de un toque aún más independiente del que ya hace gala el film. Para 'Clerks 2', Smith decidió abandonar el monocromo de una manera brillante.



MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES (Joss Whedon, 2012)

La historia: Adaptación de la obra homónima de William Shakespeare rodada íntegramente en blanco y negro por Joss Whedon y sus amigos y conocidos durante el descanso para postproducción de la primera entrega de 'Vengdores'.

El B/N: Whedon abandona los grandes estudios para dedicarse en exclusiva en éste proyecto propio para su productora en el que cuenta con muchas aras conocidas y muy poco presupuesto. El resultado, todo compuesto en un bonito blanco y negro, es simplemente pura magia.



SIN CITY (Robert Rodriguez, Frank Miller , 2005)

La historia: Robert Rodriguez y Frank Miller se unían en 2005 bajo el amparo de Quentin Tarantino para levar al cine la colección de novelas gráficas del propio Miller. A modo coral, se no presentará a lo mejor y lo peor de la Cuidad del Pecado, con tres historias interconectadas y un montón de estrellas en el escenario de una de las ciudades más tórridas del la historia del celuloide.

EL B/N: Y para dar a toda la cinta un aspecto más novelesco, ambos directores deidieron no sólo utilizar el blanco y negro para toda la película, si no añadir directamente el blanco y el negro. EL resultado, incluyendo algunos pequeños detalles en otros colores como rojo o amarillo, es simplemente tan espectacular como revolucionario para la época.



AMERICAN HISTORY X (Tony Kaye, 1998)

La historia: Derek (Edward Norton) es un pandillero neonazi de California que tras un encontronazo con un ladrón negro es llevado a la cárcel. Allí descubrirá que o todo es o blanco o negro, tan sólo para darse cuenta al salir que su hermano pequeño quiere seguir sus pasos, algo que no puede permitir.

EL B/N: Kaye utiliza en ésta ocasión el blanco y negro en las escenas que funcionan a modo de flashback (en contraposición la las escenas del presente grabadas a color) con la intención de acentuar la forma de ver el mundo de Derek antes de su paso por la cárcel. Es decir, un mundo en el que sólo existen dos opciones, o blanco, o negro.



LOGAN (NOIR) (James Mangold, 2017).

La historia: Tras toda una vida de aventuras, peleas, sufrimiento y excentricidades, Logan lleva una vida tranquila cuidando de su viejo amigo Charles Xavier en un mundo en el que los mutantes son cosa del pasado. Pero cuando una joven niña muy similar a él aparezca en escena, el antaño conocido como Lobezno tendrá que sacar las garras por última vez en una arriesgada misión en busca de su propia redención.

El B/N: 'Logan' fue una de las grandes sorpresas de principios de año. La despedida de Hugh Jackman tras 17 años interpretando al mutante no decepcionó ni a crítica ni a público. James Mangold firma un brillante y emotivo trabajo que para su versión en DVD y Blu-Ray ha decidido añadir la denominada versión Noir, en blanco y negro, siguiendo la línea de Marvel Noir o Marvel Knights, las dos derivaciones más adultas de las colecciones Marvel.



MAD MAX: FURY ROAD (George Miller, 2015).

La historia: Y apra terminar éste repaso no nos podíamos olvidar de la cuarta entrega de la saga 'Mad Max: Furia en la carretera', que volvía en 2015 con un nuevo protagonista (Tom Hardy), nuevos efectos especiales, nuevos villanos pero el mismo espíritu con el que George Miller (también de vuelta) nos sorprendía en la década de los 80.

El B/N: Y del mismo modo que luego ha hecho James Mangold con 'Logan', Miller también aprovechó su lanzamiento en el mercado doméstico para crear la versión Black & Chrome, una variación del blanco y negro que incluye distintos tonos metálicos que confieren a la imagen una profundidad y un detalle que nada tiene que envidiar a una paleta de colores más amplia. Y el resultado es simple, brillante y magnífico. No tiene desperdicio alguno.